Галопом по Европам. Обзор осенних дизайн-событий

editor / Дизайн /

Осень в большинстве цивилизаций и культур — это традиционный период сбора урожая — как настоящего, так и в метафорическом смысле. День Благодарения в США, суккот, один из танахических праздников евреев, китайское празднество луны и урожая чжунцю — все они становятся датами своеобразного подведения итогов и начала обратного отсчета уходящего года.

Желание «считать цыплят по осени» сложно назвать атавизмом — так, обилие событий в сфере дизайна, архитектуры и современного искусства, которые приходятся именно на этот период, иллюстрирует обратное. В сфере дизайна подведение годовых итогов началось фестивалем Brussels Design September, который прогремел с 5 по 30 сентября в Брюсселе в 12‑й раз. 3—6 октября в 4‑й раз в Варшаве провели ярмарку Warsaw Home, которой впервые аккомпанировала Poland Design Week. Прага приветствовала дизайнеров, архитекторов, галеристов и трендсеттеров, которые прилетели в город, чтобы принять участие в выставке Designblok, 21‑я сессия которой состоялась 17—21 октября.

 

Брюссельские метаморфозы

Brussels Design September во всем выходит за стандартные рамки подобных ивентов. Во-первых, фестиваль длится почти целый месяц. Во-вторых, он в прямом смысле поглощает на этот период всю столицу Бельгии — события, лекции, инсталляции и выставки проходят в галереях, музеях, шоурумах, включая культовый Музей Виктора Орта, Музей дизайна ADAM в Брюсселе, Bozar, Детский музей, Пражский дом… Всего в этом году в период Brussels Design September состоялось более 100 событий. В-третьих, фестиваль является многоуровневым мероприятием. Вы любите винтаж? Коллекционный дизайн? Следите за экотрендами? Ищете производителей для своего продукта? Вам сюда! Brussels Design September кроме основной программы включает еще события — Arts & Crafts Tours, Commerce Design Brussels и Brussels Design Market.

На экспозиции представлены работы, которые окончательно стирают грань между дизайном и контемпоральным искусством

В такой веренице ивентов говорить об актуальных тенденциях бессмысленно. Да и вообще, есть ли смысл говорить о трендах в 2019 г., когда они стали результатом адаптивных процессов, отвечающих на экологические, политические, геополитические и социальные пертурбации? Давайте сразу обратимся к актуальным плодам рефлексии дизайнеров на происходящие перемены.

Студенты UMPRUM (Высшей школы прикладных искусств в Праге) участвуют в брюссельском фестивале дизайна в восьмой раз. В этом году в Пражском доме, который расположен в Брюсселе, на авеню Пелмерстон, 16, развернулось несколько экспозиций. Одна из них, ставшая итогом работы студентов UMPRUM над проектами для получения степени бакалавра, называется ортодоксально: «Кожа и ее использование в интерьере». Пять молодых дизайнеров представили свои размышления в этических, функциональных, эстетических аспектах использования кожи. Наибольший в свете актуальных поисков дизайнерами нового экосырья интерес представляет собой лампа Mycophyta, созданная Томашем Рахунеком, который отрицает эстетизацию предметов интерьера и настаивает на том, что они должны решать проблемы глобального характера. В Индии работает более 2 000 тыс. кожевников, производящих более 2 млрд кв. м кожи в год. Они сделали страну одним из самых крупных экспортеров этого материала в мире. Коровья шкура весит 5 кг. На обработку каждого килограмма уходит 17 л воды. В эту воду добавляют растворенную известь, сероводород, кислоты, хромовые красители, которые поступают в дренажные системы, отравляя почву и воздух.

«Артификация» подразумевает процесс перехода предметов, лежащих за пределами сферы искусства, в область ее интересов

За потребительский энтузиазм приходится платить. И мы платим — это и углеводородный след, который оставляет индустрия разведения крупного рогатого скота, и водная интоксикация. Рахунек предлагает альтернативный материал, который использовали при изготовлении одежды и лекарств 7 000 лет назад, — его производят из древесного гриба-трутовика Fomes fomentarius. Ремесленники Моравии не только использовали его плодовое тело для изготовления трута, но и выделывали сырье для пошива перчаток, обуви, изготовления шляп и одежды. Секрет мастерства был утерян, но Рахунек, вдохновленный лекцией Маурицио Монталти, привлек к работе Якуба Скриванека, биолога из Карлова университета. Вместе они получили материал, который назвали Mycophyta 2.0. Требования к грибам очень просты: они должны быть старше года и без червей. Процесс трансформации состоит из нескольких этапов, самый трудоемкий — это очистка от верхнего слоя и репродуктивных трубок. Затем Рахунек зарывает сырье в землю на несколько дней, потом — кипятит с золой. И наконец деревянной палочкой придает получившемуся материалу нужную толщину.

Дизайнер Томаш Рахунек предложил альтернативу коже — материал из древесных грибов

Если Томаш Рахунек объектом своих экспериментов сделал метаморфозы материи и превращение эстетствующего декоратора в собственно дизайнера в прямом смысле этого слова, то ставший уже легендарным фламандский дизайнер Ксавье Люст демонстрирует пример принципиальной трансформации. Причем ее с полным правом можно назвать двойной. С одной стороны, объекты, которые он представил на Brussels Design September 2019, стали примерами процесса артификации, впервые описанного в 2010 г. социологом Натали Хейнич как превращение предмета из мира не-искусства в объект, лежащий в художественной плоскости. С другой стороны, трансформации самого Люста как дизайнера, который уже около 30 лет работает с металлом. В поисках нового формального языка он разработал уникальные методики работы с этим материалом. В его руках металл буквально гнется в разных направлениях и складывается в формы, которые на первый взгляд нарушают все законы физики и здравого смысла. Объекты его дизайна выпускают итальянские фабрики Pianca, Extremis, Driade, De Padova, Fiam, MDF Italia. Сотрудничество с последней, начавшееся в 2000 г., принесло ему желаемую всеми дизайнерами награду — Compasso d’Oro. Ею был отмечен стол La Grande.

До 22 декабря в галерее Spazio Nobile была представлена экспозиция финских художников и дизайнеров

Созданные лимитированными сериями предметы, вышедшие из рук Люста, являются также яркими примерами коллекционного дизайна. Они представлены в галереях Парижа, Милана, Нью-Йорка, среди которых легендарные Carpenters Workshop Gallery, Galerie du Passage, Nilufar, Ralph Pucci. И вдруг во время фестиваля дизайна Brussels Design September Ксавье Люст неожиданно представил коллекцию деликатного фарфора, который был создан в мастерских еще одной фламандской дизайн-легенды — Пита Стокманса. Неожиданно для всех, но только не для организаторов брюссельского фестиваля дизайна — именно они предложили Люсту сосредоточиться на этом материале, отражающем основную тему года. После создания скечей Люст сделал две 3D-модели ваз. Для него интерес представляло все — и сам материал, новый для него, и типология предметов, ведь ранее он не создавал ваз. За информацией о технических особенностях материала и процессе его обжига Люст обратился к Видукинд, дочери Стокманса, которая сейчас возглавляет его студию.

Темой экспозиции Leatherman стали размышления об этических, функциональных и эстетических аспектах использования кожи

Темой экспозиции Leatherman стали размышления об этических, функциональных и эстетических аспектах использования кожи

Что касается самих форм, то здесь на помощь Люсту пришла природа — он попытался воссоздать элегантные изгибы лепестков аронника. Интригующим для Люста стал процесс обжига фарфора в печи, который является абсолютно бесконтрольным. Из-за стихийности этого процесса каждый предмет вполне может потерять совершенство деталей, заложенное в него дизайнером, но приобрести уникальность и неповторимость. Именно невозможность контролировать деформацию материала при высоких температурах три десятилетия назад привлекла Люста в металле. Сегодня он нашел ее в фарфоре. Нашел и продвинулся дальше — дизайнер продолжил экспериментировать с хрупким «белым золотом» и создал линию фарфоровых светильников.

Spazio Nobile Gallery исследовала заданную тему с экспозицией The Finnish Season. Keep Your Garden Alive, в которой приняли участие 18 финских художников и дизайнеров. Они сложили многоголосный нарратив о хрупкости мира и способах его сохранения. Керамика, материал деликатный, сам по себе является воплощением образа уязвимости нашей планеты на фоне драматических экологических перемен.

Коллекция деликатного фарфора, созданного в мастерских дизайн-легенды Пита Стокманса

Куратор, галерист, основатель и руководитель галереи Atelier Jaspers Жан-Франсуа Деклер каждый год к Brussels Design September готовит экспозицию в своей галерее, которая располагается в доме, спроектированном архитектором-модернистом Виктором Буржуа и где останавливался Василий Кандинский. В этом году Деклер выступил сразу на нескольких полях, представив работы дизайнера Марка Бароуда и выставку Modern Ceramics в экспозиционном пространстве Area 42. Ее кураторами стали сам Деклер и парижская галеристка Аурелиан Гендра. Пережившая в 20‑х годах прошлого века упадок, керамика в результате процесса артификации снова на пике популярности. Идут поиски ее нового предназначения, которые лежат далеко за границами изначальной бытовой функции.

На выставке Modern Ceramics были представлены скульптурные объекты из песчаника

Скульптурный объект из песчаника

Забегая вперед, скажу, что Луция Колдова, ставшая дизайнером главной экспозиции чешской Designblok 2019, на вопрос, каким она видит будущее дизайна как такового, ответила, что для нее оно — в сфере ремесленного, ручного производства. Не поэтому ли именно керамика стала основной темой Brussels Design September в этом году?

Участие в выставке более 40 дизайнеров из Бельгии, Франции, Нидерландов, Индии, Чехии, Ливии, Италии, Испании и США убедительно доказывает, что будущее дизайна — в его прошлом, и это глобальный тренд, за развитием которого мы будем следить, затаив дыхание. Похоже, нас ждет увлекательный сиквел о путешествиях во времени. Вперед в прошлое!

 

Варшавский порыв

Warsaw Home — это не только самый молодой фестиваль дизайна, впервые прогремевший в 2016 г., но и самый бурно развивающийся: в год основания его экспозиции занимали площадь в 24 тыс. кв. м, а в 2019‑м — уже 120 тыс. Молодой, резкий и амбициозный проект.

Его основательнице и исполнительному директору Касе Птак нет еще и тридцати. За визуальную айдентику фестиваля отвечает молодой польский графический дизайнер Томек Кузма. Он проделал титаническую работу, создав целостный визуальный образ ярмарки — от логотипа до портретов спикеров лектория.

Warsaw Home разделен на четыре секции – Selected Design; Selected Furniture; Kitchen, Dining & Deco, Component; Textile, Light

Warsaw Home состоит из пяти четко очерченных систематически секторов — Selected Design, Selected Furniture, Deco, Kitchen & Dining, Interior Finish — и включает в себя разнообразную программу для дизайнеров и посетителей.

Работы 24‑х дизайнеров из Польши были выбраны для экспозиции Ideas

Во время Недели дизайна в Варшаве прошел Design Forum под лозунгом I am

Design Forum, одно из центральных событий в рамках выставки — дискуссионная площадка с лозунгом I am. О том, кем являются в мире дизайна и каков этот мир на самом деле, в рамках форума рассказали культовые фигуры индустрии Маркус Фэйрс, основатель Dezeen; голландец Ричард Хаттен; Джоб Смитс, вторая половина дизайн-дуэта Studio Jobs; француз Кристоф Пилле; итальянец Лука Никетто, который очень продуктивно работает в Швеции; Карим Рашид, Маттео Цибич, а также дизайнер, которого нечасто увидишь в Европе после переезда из Великобритании в Новую Зеландию, — Дэвид Трубридж.

 

Кася Птак

Исполнительный директор Warsaw Home

Кася Птак, исполнительный директор Warsaw Home. Иллюстрация: Томек Кузма

P.M.: Почему вы решили основать Warsaw Home?

К. П.: Первым желанием было дать возможность польским мебельным производителям продвигать свою продукцию для более широкой публики, в том числе иностранной. Я понимала, что на наш рынок выходят международные компании. Уровень реализуемых объектов в гостиничном бизнесе, в офисной сфере, в общественных местах впечатляет. Для компаний в этом кроется огромный потенциал. Выставки, подобные тем, которые проводят в Милане, Париже и Стокгольме, всегда были для меня примером, однако я всегда хотела создать свою собственную концепцию такого мероприятия.

P.M.: Как изменилась выставка не столько в количественном отношении (что, безусловно, тоже заслуживает внимания), а в качественном?

К. П.: Она поменялась полностью — площадь экспозиций выросла в пять раз, увеличилось и число иностранных гостей. Изначально я планировала сделать выставку международной, однако это не такой скорый процесс — раньше преобладали представители местного бизнеса. Сейчас мы самая быстро развивающаяся ярмарка дизайна в Европе и место, где встречаются производители Западной и Восточной Европы.

Организаторы уже подвели итоги Warsaw Home – 700 участников, из которых 30% иностранных компаний

P.M.: Кому она интересна и полезна?

К. П.: Компании, представленные на выставке и в рамках дополнительных ивентов, в большинстве своем сфокусированы на крупных проектах. Большие бренды приходят на ярмарку, если им нужны изменения или реновация, ведь представленные здесь фабрики в основном специализируются на материалах и мебели, используемых в общественных пространствах. А в дни открытых дверей сюда приходят все, кому нужно вдохновение или информация о новинках индустрии.

P.M.: Зачем вы решили добавить Warsaw Design Week к Warsaw Home?

К. П.: Идея провести Неделю дизайна пришла ко мне, когда я путешествовала по миру и изучала другие выставки. Подумала, что в Варшаве есть что посмотреть, а многие этого просто не понимают. Сегодня Warsaw Design Week объединяет все ивенты, посвященные архитектуре, дизайну и искусству. Это дает нам еще больше узнаваемости в мире, больше возможностей открывать город и новый импульс для дальнейшего роста.

74 489 человек посетили Неделю дизайна, из них 64 % — работники индустрии

P.M.: Вы надеетесь избежать трансформации вашей ярмарки в стандартный ивент, подобный многим другим в этой индустрии?

К. П.: Разница между нами и другими ярмарками в том, что мы развиваемся все время и будем расти дальше. Мы команда молодых людей с новыми идеями, и Варшава — это резонирующий город с большими возможностями развития. А кроме того, мы пытаемся создать пространство, где нас окружали бы растения, приятные цвета, места для отдыха и места, где можно спокойно пообедать. Моя цель — организация пространства для реального бизнеса, а не для толпы.

 

Томек Кузма

Графический дизайнер

Томек Кузма, графический дизайнер. Иллюстрация: Томек Кузма

P.M.: С чего начинается ваша работа над графическим дизайном?

Т. К.: Я всегда начинаю с того, что все ставлю под сомнение и задаю много вопросов. Расспрашиваю как можно больше сотрудников компании. Могу провести около двадцати интервью с разными людьми, чтобы понять, как можно придумать для них нечто такое, что удивит их самих. Мой дизайн основывается на мнениях людей о компании, где они работают.

Каждая секция выставочного пространства была организована по уникальной системе

P.M.: Это ваш первый опыт работы с Warsaw Home?

Т. К.: В прошлом году я и моя девушка (она дизайнер) уже сотрудничали с Warsaw Home — мы разрабатывали стратегии и концепции выставочного пространства. Стратегия важна как для бизнеса, так и для дизайна. В этом году мои задачи изменились. Последние полгода я работал уже на территории выставки, которая является уникальным пространством — она отделена от города, это своеобразный микромир. Меня пригласила Кася Птак. Она — своеобразный рычаг, который все приводит в действие. Все, что здесь происходит, воплотилось только благодаря ее энтузиазму, энергии и мудрости. У нее изначально было свое видение айдентики, и мы начали думать, как его воплотить. Было интересно принять этот вызов, потому что мне импонирует энергия Каси и я люблю быстрые проекты. Меня привлекает возможность как можно быстрее увидеть воплощение своей работы, конечно, без потери качества и с продуманной концепцией. Я без преувеличения самый быстрый дизайнер из всех, кого знаю. Я много занимаюсь музыкой и когда играю, мне часто приходят на ум идеи, тут же начинаю их зарисовывать. Когда делаю презентацию проекта, нарочно затягиваю вступительную часть, чтобы клиенту не терпелось взглянуть на то, что скрывается под белой тканью. Когда я презентовал основную графическую тему Касе и всей команде, то увидел по их лицам, что это стопроцентное попадание. Работу сразу же разместили на стене кабинета.

За всю айдентику выставки отвечал чешский графический дизайнер Томек Кузма, который также нарисовал портреты организаторов и лекторов

P.M.: В чем были сложности работы над выставкой?

Т. К.: Самый красивый — павильон F, где расположены мебельные экспозиции. Но передо мной стояла задача сделать айдентику для каждого, независимо от их наполнения. Мне не очень нравится та часть проекта, которая связана с финансами, регулированием расходов, выбором издательств для печати материалов. Однако по большей части сложности не возникали, было много веселья. Кася и ее команда очень открыты, они поддерживали мои предложения и быстро принимали решения.

 

Дэвид Трубридж

Предметный дизайнер

Дэвид Трубридж, предметный дизайнер. Иллюстрация: Томек Кузма

P.M.: Почему вы приняли участие в Warsaw Home?

Д. Т.: Меня пригласили, наверное, после того, как услышали мое выступление на фестивале дизайна в Стокгольме. Я принял приглашение, потому что никогда не был в Польше, и ухватился за возможность узнать новую культуру и страну. Я соединил этот визит со своим промотуром в Европе и странах Южной Америки. И конечно, я всегда один или два уикенда выделяю только для себя. У меня была замечательная возможность провести время в Татрах. Как такового опыта участия в выставках имею немного — только Милан и Франкфурт. На Warsaw Home я сразу отправился в секцию польского дизайна, потому что мне интересно, что происходит именно здесь. Большие итальянские бренды я смогу увидеть и в других местах!

P.M.: Что вы думаете об этой Неделе дизайна в Варшаве?

Д. Т.: Думаю, что представителям всех культур важно иметь возможность для выражения собственного дизайна. Я помню, как один британский критик, осуждая Неделю дизайна в Эфиопии, сказал: «Разве у нас этого недостаточно?». Я увидел в этом удивительное культурное высокомерие и то, что колониальные взгляды все еще распространены, мол, приезжайте к нам на 100 % Design в Лондон и не смейте думать о собственном фестивале.

P.M.: Каково будущее у подобных фестивалей?

Д. Т.: Довольно неопределенное. Они превратились в мамонтов. Мы серьезно ставим под вопрос их этичность и раздумываем, должны ли выставлять там предметы нашего дизайна. Пытаемся найти им альтернативу, благодаря которой наши имена останутся на слуху у потребителя. Объемы мусора, который производят выставки, — скандальные и необоснованные. Если бы Extinction Rebellion (движение, участники которого борются с климатическими изменениями. — Прим. ред.) знали об этом, они уже были бы во всеоружии под стенами экспоцентра. При этом они необходимы, потому что компаниям важно показывать новую продукцию и улучшенные коллекции прошлых сезонов. Для нас они являются важным сетевым инструментом, который позволяет наладить новые контакты и поддерживать связь со старыми. Высокая цена, которую платит за это компания и окружающая среда, заставляет нас искать альтернативные варианты.

Британский дизайнер Дэвид Трубридж закончил университет Ньюкасла по специальности «морская архитектура»

P.M.: Почему сейчас ведется так много разговоров об экодизайне?

Д. Т.: Эта тема очень актуальна и серьезна. Нам дали около 10 лет, чтобы снизить выбросы углекислого газа и этим удержать глобальное потепление в рамках 1,5 градуса, иначе мы столкнемся с катастрофическими изменениями климата и ухудшением состояния окружающей среды. Тем не менее мы по‑прежнему бездействуем, и уже к 2030 году, по прогнозам, температура подскочит на 3 градуса.

P.M.: Создается впечатление, что дизайнеры, говоря об ответственности перед планетой, открывают своеобразный ящик Пандоры. Потребитель станет меньше покупать и относиться к покупкам ответственно — у дизайнеров будет меньше работы. Вы согласны с этим?

Д. Т.: Это тактика запугивания, которую применяют те, кто стремится сохранить статус кво. Многочисленные опросы показали, что переход на «зеленые» альтернативы в действительности увеличат возможности для дизайнеров. Правда заключается и в том, что нам придется прекратить производить дешевый бесполезный мусор. В этом фантастический вызов для дизайнеров и возможность показать, что мы небезразличны и готовы принять ответственность за будущее.

 

Пражская осень

Каждый год Designblok выбирает тему, на которую предлагает высказаться дизайнерам. Ahoj Future! («Привет, будущее!») — так она прозвучала в 2019 г. Традиционно выставка состоит из трех частей — Openstudio, которая представляет работы дизайнеров, Superstudio, где экспонируются фабрики, и Arthouse, из названия которой понятно, что основной ее акцент приходится на искусство в дизайне.

В самом начале этой статьи было заявлено, что все три фестиваля дизайна настолько разные, что найти точки соприкосновения не представляется возможным. При ближайшем рассмотрении все оказалось иначе: совпадение нашлось в общей сфокусированности на будущем не столько самой индустрии, сколько на глобальном явлении, которого не избежит никто из нас. А значит, и ответственность за это будущее разделяем мы все.

На фестивале Designblok представили работы 348 авторов из сферы промышленного, фэшн-дизайна и ювелирного искусства

На конференции Future, которая прошла в рамках Designblok, галеристка Россана Орланди, публицистка и главный редактор чешского Vogue Андреа Бегункова, климатолог Павел Заградничек, директор UNICEF Павла Гомба и куратор Музея прикладных искусств в Гамбурге Тулга Бейерле выдвинули свои версии дальнейшего развития событий. Участники конференции размышляли о роли дизайнеров в эпоху драматических климатических изменений и о том, могут ли они предотвратить надвигающуюся трагедию. Предсказуемо, что все согласились в вопросе негативного влияния переизбытка товаров на рынке. Ожидаемо, что быстрого и единого решения найдено не было. Надежда на спасение блеснула на экспозиции Arthouse, которая называлась «Одиссея» и была посвящена теме исхода и смены доминирующих позиций — географических, ментальных, культурных, личностных.

В этом году тема пражской выставки звучала как Ahoj Future!

Если перенести паттерн «исхода» на ситуацию, сложившуюся в индустрии дизайна, то речь пойдет о поиске выхода из нашей «Трои» — экологического тупика, в который мы сами себя загнали, ежегодно выпуская и поддерживая «новую» продукцию, вся новизна которой заключается не в кардинальных инновационных решениях в области дизайна, а в новых предложениях по материалам и тканям. Понятно, что сложившийся за десятилетия привычный сценарий работы индустрии будет изменен не сразу, и он требует привлечения к работе биологов, химиков, социологов, антропологов. Но как Одиссей после двадцатилетнего отсутствия на родине в конце концов нашел дорогу в Итаку, так и нам придется отыскать или создать заново свой путь в дизайне. Так или иначе какой станет наша Итака, зависит только от нас.

Луция Колдова, дизайнер, автор главной экспозиции чешской Designblok 2019

Луция Колдова, которая стала главным дизайнером Designblok 2019, создала в рамках своего статуса центральную экспозицию Designerie. Она видит будущее дизайна в возвращении к ремесленному производству и указывает на двойственность, с которой мы столкнемся: «Я представила пространство Designerie как всеобъемлющую Вселенную, которая включает в себя все аспекты и все стороны жизни и работы человека в их актуальной реализации и в том, какими мы их хотим видеть. Дизайн не является продуктом «в себе». Он станет, с одной стороны, результатом процессов роботизации и диджитализации, с другой — будет воплощением идей гуманизма и устойчивого развития. Я ставила перед собой задачу показать, как мы уже сейчас представляем себе то будущее, которое оставляем грядущим поколениям. И оно заключается не в техническом прогрессе, а в ответственности перед теми, кто будет жить после нас. То будущее, за которое мы боремся, зависит от правильно использованного прошлого».

Луция Колдова представила несколько своих коллабораций с фабриками Европы, среди них — освещение для компании Brokis

Термин «каденция» появился в 1496 г. для обозначения финального гармоничного оборота, придающего музыкальному произведению законченность и цельность. Логика существования любого организма предполагает зачатие, рождение, развитие и смерть. Обеспокоенность дизайнеров состоянием индустрии и понимание их ответственности перед будущим дает нам право на веру, что каденция прозвучит еще не скоро.

 

Текст: Ирина Белан